Se trata de que cada uno de vosotros presente un recurso musical, lo describa brevemente y ponga un par de enlaces a Youtube dónde se pueda ver este recurso “en acción”.
Concretamente, os pido:
- Nombre (para mi control, sin datos de mail, ni nada)
- Nombre del recurso, y año de invención
- Breve descripción (1 o 2 párrafos)
- Enlaces a Youtube
La lista se irá incrementando cronológicamente, así que si muchos de vosotros quereis hablar de “Reactable”, el primero que lo proponga, se lo queda. Este resumen se debe hacer como comentario a este post.
Fecha límite de entrega: miércoles 05/10 a las 16:59
Enric Guaus 
LAUNCHPAD, 2012
El Launchpad es un controlador diseñado por Novation y Ableton para los software Ableton Live y FL Studio. Nos permite hacer más cómoda la creación de música digital con estos programas, ya que da la posibilidad de poder crear y controlar sin tener que estar totalmente pendientes del ordenador.
El Launchpad es un tablero portátil con 64 botones LED totalmente interactivo. Tiene un código de colores muy sencillo: amarillo significa que el sonido se está cargando, verde que se está reproduciendo y rojo que está en fase de grabación.
Todo esto permite que sea mucho más fácil la creación de pistas, pudiendo jugar tanto con la percusión, el mezclador, los loops, los volúmenes, etc. Lo único necesario es un ordenador con el que programar todos los sonidos de cada uno de los botones, para después poder ser tocados desde el mismo Launchpad, mientras que los sonidos suenan directamente en el ordenador.
Aquí os dejo varios ejemplos sobre lo que se puede hacer con un Launchpad:
La obra que he elegido para el trabajo es Cardiophonie, fue compuesta en el año 1971 por el oboísta Heinz Holliger. Usa como elemento tecnológico tres magnetófonos. https://www.youtube.com/watch?v=te1AFO8Q1Jc https://www.youtube.com/watch?v=OK1CnWMtZao
ORCHESTRION (1805-2009)
Se denomina Orchestrion de forma genérica a un instrumento mecánico cuya función es la de emular el sonido de una orquesta o banda combinando el sonido de varios instrumentos simultáneamente. Su funcionamiento se basa en el uso de cilindros o rollos, similar a las cajas de música o pianolas. Éste mecanismo fue desarrollándose y alcanzando popularidad durante el siglo XIX e inicios del siglo XX, con su apogeo en la era del jazz.
Una concepción moderna del dispositivo adaptado a la tecnología actual, es la desarrollada por el guitarrista Pat Metheny junto a un grupo de científicos e ingenieros para la realización de su álbum Orchestrion (2009). Diseñaron un complejo mecanismo orquestal que responde directamente a la señal de la guitarra del músico, activando vía MIDI y por medio de interruptores, sistemas neumáticos y solenoides (dispositivo que crea un campo electromagnético), una serie de instrumentos acústicos y electroacústicos que incluye teclados, guitarras, percusiones, botellas, etc. Éstos pueden funcionar de forma simultánea a lo tocado por la guitarra y/o de forma loopeada (grabados y reproducidos en bucle). Una manera de llevar más allá la idea del “hombre orquesta” que ya vimos con Les Paul:
Metheny ofreció una gira con el Orchestrion tras el lanzamiento del álbum, también se ha publicado un concierto del Orchestrion Project en CD y DVD.
http://www.patmetheny.com/orchestrioninfo/
http://www.theorchestrionproject.com/
SEABOARD
Creado por el británico Roland Lamb, que tras años de experimentación en el programa de diseño del Royal College of Art de Londres, saca la primera patente en el año 2009. Como CEO(Chief Executive Officer) de la empresa ROLI patenta este nuevo instrumento que a día de hoy ha sido desarrollado en diferentes versiones, siendo la última el Seaboard ROLI49.
Se trata de un teclado de piano clásico que permite ir más allá de las limitaciones de este instrumento, siendo capaz de ejecutar todo tipo de variaciones en el tono e intensidad similares a las que se consiguen con otros instrumentos musicales. Está compuesto por teclas suaves y sensibles a la presión.
La tecnología que permite realizar estas variaciones está compuesta por una membrana elástica y maleable muy sensible al tacto, que se vale de la tecnología creada por ROLI y denomidada: “The Sea Interface”. Oscilando el dedo sobre la tecla variamos el tono de la nota, y ajustando la presión que hacemos sobre ella variamos el volumen y la intensidad. Además los márgenes inferiores y superiores permiten enlazar una nota con otra de manera que no quede aire entre ambas, simulando así un legato más próximo a instrumentos de viento o cuerda, y alejándose del legato percusivo de un piano clásico.
Ofrece dos jacks de salida 1/4, que permite la entrada de pedales, así como un minijack 1/8 para la salida de audio. A parte incluye dos puertos USB tipo A y B que permiten la conexión al ordenador y a otros dispositivos de la misma interfaz.
A continuación dejo los enlaces que he encontrado más ilustrativos de este nuevo recurso musical:
Marcel Pascual i Anguera
Fairlight CMI, 1979
Instrument electrònic inventat per Kim Ryrie i Peter Vogel que podria ser considerat un dels primers DAW (digital audio workstation). Incorporava la capacitat d’enregistrar sons externs i disparar-los a diferents alçades mitjançant el teclat (sampler) a més d’un sintetitzador digital i tres tipus de seqüenciadors, tot plegat controlable mitjantçant una interfície gràfica. L’equip estava compost per un teclat tipus piano, un teclat QWERTY, un llapis òptic, una unitat central de procés (CPU) i un monitor extern.
Un grandíssim nombre de músics de primera línia varen utilitzar aquest intrument i és per això que podem dir que el Fairlight té un paper decisiu en la conformació de la sonoritat musical dels anys 80.
Fairlight, 1979 -enllaç complementari i aclariment-.
Com que no és del tot evident l’us del Fairlight en el primer i quart vídeo, ho comento: En el primer s’ha utilitzat per als efectes de tret i per a la base rítmica. A més, les pantalles mostren la interfície gràfica del Fairlight que, aparentment, coincideix amb allò que està sonant.
En el quart enllaç, el Fairlight s’utilitza per a varis efectes de sampler essencials al tema. L’utilització del teclat del Fairlight és clara al minut 3:22.
AUDFIT
Audfit es un vestido adherido al cuerpo humano, el cuál crea sonidos a partir del movimiento de la persona que lo lleva puesto. Este dispositivo portátil se ha focalizado en unir la danza y la tecnología para crear sonidos abstractos, basados en el gesto del intérprete a través de sensores.
Este peculiar invento fue creado el pasado 2014 por la empresa polaca Strangeloop, concretamente por el ingeniero Krystian Klimowski que actualmente es uno de los directores de CUBE Systems, y su función es leer con la mayor precisión posible los movimientos y la posición del cuerpo del bailarín que lo lleva puesto. Para llegar a este punto, se ha estudiado en profundidad nueve puntos estratégicos del cuerpo humano y su posición en el espacio, por lo que cada movimiento, incluso el más pequeño, realizado por el cuerpo libera una secuencia de sonidos y melodías electrónicas que son las que escucha el oyente. Tanto los datos que se proporcionan como los sonidos que se emiten son creados a tiempo real porque el movimiento, creador del sonido, está integrado a la acción del bailarín y cuenta con una programación que tiene recepción audio-visual que está adjunta al cráneo de la persona que lo utiliza. Los espectadores pueden escuchar los sonidos que crea el bailarín gracias a unos auriculares de la marca Silent Disco y que constan de tres canales de radio frecuencia en el que cada canal expresa el sonido de forma distinta.
Con Audifit, la danza se convierte en un instrumento, como se puede ver a continuación:
AUDFIT – interactive audio-costume and dance from Strange Loop on Vimeo.
Maria Sánchez de Prado
TALKBOX, 1973
Dispositivo de efectos de sonido inventado por Bob Hulzon y patentado posteriormente por Bob Heil. Lo que permite el Talkbox es que el usuario pueda modificar el sonido que tiene un instrumento musical a través de la boca, y que toma forma mediante los movimientos de sus labios y lengua antes de ser recogido por un micrófono. En este proceso se cambia el contenido armónico del sonido de la misma manera que afecta al sonido generado por las cuerdas vocales al hablar; finalmente, el micrófono recoge el sonido filtrado. Este efecto puede usarse para cambiar la frecuencia del sonido y/o para aplicar sonidos vocales (canciones) a un instrumento musical; por ejemplo, se puede generar una mezcla entre el sonido de la voz del artista y la voz generada, dando la sensación que el instrumento “habla”.
Este dispositivo se compone de un pedal de efectos y un altavoz conectado al extremo de un tubo de plástico (el otro extremo está conectado al micrófono). La caja permite conectar una salida de altavoz de un amplificador y a la vez,un altavoz como el de cualquier instrumento. El sonido lo puede controlar el artista con el pie a través de un interruptor maniobrable; permite dirigir el sonido al altavoz del Talkbox o bien, al altavoz normal. El efecto de guitarra inventado por Doug Forbes y popularizado por Peter Frampton fue uno de los grandes momentos que ofreció este disositivo.
Este uso del Talkbox no debe ser confundido con el del Vocoder (analizador y sintetizador de voz), que también se ha usado como instrumento musical.
A continuación os dejo un par de ejemplos para que podáis observar las capacidades de este recurso:
OVAL (2015)
Versión digital del famoso instrumento de percusión Hang (Suiza, 1999). Presentando su forma oval característica, consta de ocho áreas de acción: siete dispuestas en forma circular y una en medio. Cada una de ellas contiene sensores de sensibilidad, que detectan la intensidad con la que es golpeado; así como otros sensores X-Y, que detectan la posición y dirección del gesto realizado sobre las placas. Por otro lado, el tempo es indicado mediante varias luces LED, que también puede tener potencialmente una aplicación pedagógica. El instrumento es apreciado, por tanto, por su alta sensibilidad y potencial expresivo.
Junto con el desarrollo del dispositivo, se ha creado una aplicación para Android e iOS con la cual configurar el dispositivo: desde las alturas presentes en cada uno de los sensores y la distribución de las mismas, hasta las propiedades acústicas del sonido (aplicando filtros, delays, reverbs…), o incluso permitiendo la grabación y posterior edición y distribución de los audios.
También existe la posibilidad, para usuarios más avanzados, de utilizar el Ovel en combinación de sintetizadores y software como el Abbleton Live.
El proyecto está desarrollado por una startup con sede en Barcelona y vio la luz gracias a una campaña de Kickstarter que tuvo 680 patrocinadores y recaudó un total de 348.000€, logrando la cantidad necesaria para su realización en solo dos días.
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BUCHLA (1963, Berkeley)
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Buchla Electronic Musical Instruments es una marca que fabrica sintetizadores modulares i controladores MIDI que surgió el mismo año que la marca Moog, revolucionando el mundo del sonido.
[_La diferencia entre los productos de Moog y de Buchla recae en que los fabricantes de Moog decidieron recurrir a la referencia musical del piano incorporando teclado a sus sintetizadores, pudiendo llegar al público general, mientras que Buchla se deshizo del componente musical para dar importancia a la creación electrónica del sonido a partir de la modificación de los parámetros del sonido mediante módulos de carácter muy “ingieneril”, llegando a un sector más limitado por personas con conocimientos y curiosidad por lo electrónico_]
Como sintetizador modular, el Buchla puede combinar diferentes módulos modificando o generando eventos musicales. Hay tres tipos de módulos: la fuente, el procesador y la “logic”. Y las funciones modulares básicas son: senyales, control y tiempo. Podemos encontrar módulos generadores, osciladores, filgros, amplificadores de voltage, secuenciador analógico que afectarán a la afinación, el timbre, la amplitud y la ubicación espacial del sonido. Cada módulo puede tener inputs, outputs y controles, y se connectan entre si mediante “tini plugs”, cables de audio. Además, el sonido se puede controlar con una “tableta” táctil-visual.
__SERIE BUCHLA 200e y posteriores__ (2004)
Los módulos de ésta reciente serie transforman todas las señales que llegan en analógica, pudiendo utilitzar los patch como siempre. Como novedad, permite almacenar loops, configuraciones y sonidos creados en una memoria, cosa que los anteriores sintetizadores no podían.
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Entrevista y demostración de Don Buchla:
Actuación de Alessandro Cortini con diferentes sintetizadores modulares y Buchlas (Buchla Music Easel, por ejemplo):
Actuación del fundador de Buchla con otro músico, interpretando una pieza para dos Buchlas, que destaca por el carácter musical de la pieza, demostrando que con estos sintetizadores se puede llegar a un nivel sublime de musicalidad y armonía:
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Decidí investigar los Buchla a raíz de empezar a escuchar y conocer el grupo Floating Points, que hacen música instrumental combinando la electrónica y un caráter jazzístico-experimental. Sam Shepherd, el fundador y el que controla el ámbito electrónico en el grupo, también necesita de otros instrumentos y recursos para crear y complementar las texturas musicales: mesa de mezclas, un Rhodes, un Therevox, un Launchpad, etc. Fijarse en cómo los utilitza y connecta es muy interesante y ayuda a entender como se puede hace la música electrónica.
En este vídeo desde el principio y en el otro se ve como se pueden generar texturas musicales interesantes:
Cardiophonie (1971). Holliger, Heinz. Beatriz Díez Sánchez.
Cardiophonie es una obra para oboe y tres magnetófonos, compuesta en 1971 por el oboísta suizo Heinz Holliger. La obra se sitúa en el contexto de la música textural y bajo la influencia del compositor Pierre Boulez.
Como recurso tecnológico, emplea el magnetófono, máquina que tiene como origen el fonógrafo y el telegráfono. La invención, se atribuye a varios ingenieros de principios del siglo XX, pero podemos destacar tres: Oberlin Smith, Valdemar Poulsen y Lee de Forest. Pese a su invención durante estos primeros años, no fue hasta los años 30 que el magnetófono se pudo comercializar. El magnetófono precede a lo que serían hoy las grabadoras, registra en un soporte magnético instrumentos acústicos o eléctricos para luego reproducirlos. Su aparición fue imprescindible para lograr una buena calidad de sonido desde la década de los años 30 hasta la aparición de los ordenadores en los años 90.
En la obra Cardiophonie, los magnetófonos van grabando y reproduciendo la obra que toca el intérprete, creando una pieza con varios planos musicales y logrando un efecto de caos y angustia. En la obra se usa también un estereoscopio, que mediante un amplificador convierte el pulso cardiaco en la base rítmica de la obra.
La pieza, según Holliger, tiene una finalidad autodestructiva, y es que el pulso cardiaco y la grabación de la pieza que se escucha al final de la misma, persigue al intérprete hasta su colapso y agotamiento.
Aquí os dejo los enlaces de YouTube. El primero es el propio Holliger con los magnetófonos y el resto son otros intérpretes con medios de grabación modernos.
Carlos Cruz Tienda
Sintetizador/controlador de viento, 1971
El sintetizador de viento (más conocido por su nombre en inglés Wind Controller) es, como su nombre indica, un instrumento eléctrico de viento que pueden interpretar múltiples sonidos con la articulación y expresión característica de los instrumentos de viento convencionales. El más extendido es probablemente el EWI (Electronic Wind Instrument), adaptado para tocarse de forma similar a un saxo soprano, pero se pueden encontrar modelos especialmente diseñados para emular la estructura de otros instrumentos de viento madera, así como también de viento metal. Distintos sensores reciben la información proporcionada por la presión de aire, la digitación, la tensión de los labios y otros aspectos que determinan el sonido de un instrumento de viento, para transformarla en señales de control que condicionan el sonido resultante.
El primer controlador de viento del que se tiene noticia es el Lyricon, al rededor de 1971, un controlador analógico cuya invención se atribuye a Bill Bernardi y Roger Noble. Sin embargo, fue Nyle Steiner quien a mediados de los 70 presentó el EVI (Electric Valve Instrument) y poco después el EWI (Electric Wind Instrument), que ya incorporaban la tecnología del sintetizador integrada en el cuerpo del instrumento. Con la aparición de la tecnología MIDI y los samplers digitales, las posibilidades de los controladores de viento se multiplicaron y su desarrollo tomó un nuevo impulso. Las productoras cinematográficas descubrieron el potencial de este pequeño instrumento para realizar bandas sonoras y, el propio Nyle Steiner consiguió labrarse una exitosa carrera interpretando la música de varios largometrajes. Actualmente Yamaha y Akai comercializan los modelos más populares, y el uso de los sintetizadores de viento es cada vez más común, especialmente en el jazz, el funk y la música new-age.
ALPHASPHERE (2012)
Como su nombre indica, el AlphaSphere se basa en una esfera de estilo futurista formada por pads (almohadillas) circulares de unos 25 centímetros de diámetro y entrelazados con unos cables internos a la base del dispositivo. Es un invento totalmente diferente a todo lo que se solía usar para crear y escuchar música sintetizada, puesto que ofrece muchas posibilidades sonoras y, aunque no se puede asignar un timbre/nota musical especifico, en el momento de presionar los pads se pueden introducir pistas con diferentes ritmos, armonías e instrumentaciones, así como también manipular la velocidad y la intensidad rítmica y melódica, entre otras opciones. El AlphaSphere es un controlador que requiere el software de rendimiento llamado AlphaLive, que permite realizar secuencias y la interacción con otros instrumentos MIDI. Actualmente el AlphaSphere es utilizado por músicos, productores, DJs y también tiene aplicaciones en la educación y en la musicoterápia.
El concepto inicial del AlphaSphere se desarrolló por Adam Place, que estaba estudiando en la Universidad de Nagoya (Japón). Una vez volvió a su ciudad natal, Bristol, tuvo apoyo financiero y, junto a la colaboración de ingenieros sonoros, llevó a cabo una investigación en materiales inteligentes, así como también a fundar la empresa Nu Desine. Fue en abril del 2012 cuando la empresa empezó una serie de élite edición limitada del AlphaSphere, aunque en julio de 2013 Nu Desine anunció la serie Nexus, que es la versión estándar del AlphaSphere y poco después el instrumento fue disponible en tiendas musicales y a través de la propia página web llamada AlphaSphere.
A continuación presento algunos vídeos de referencia:
· Concierto de AlphaSphere en directo https://www.youtube.com/watch?v=DV-tzo7FgTw
· Presentación del instrumento a cargo de Adam Place, su fundador: https://www.youtube.com/watch?v=jbB7HBYg3RU
· AlphaSphere Jam (Bertie Bass Hits): https://www.youtube.com/watch?v=tfll28Xucog
Serge Dambrine
LA ESTACIÓN DE PRODUCCIÓN YAMAHA RS7000, 2001
La RS7000 es una estación de trabajo concebida como un “todo en uno”, una caja de herramientas que parecía contener en su tiempo todos los elementos necesarios para la producción musical, en particular para generos contemporáneos como la Dance, la Techno i el R&B. Tiene forma de caja de plástico rígido sobre chasis de acero y está llena de botones, switches y luces. Un rango de botones sirve de pseudo-teclado. Tecnicamente, combina elementos de dos productos exitosos lanzados por Yamaha en el año 1998: un generador de sonidos con secuenciador (la Groovebox RM1x) y un sampler (el SU700) que, al tener secuenciador, unidad de efectos y mezclador se había comercializado como “un nuevo tipo de instrumento capaz de revolucionar la producción musical a través de la creación de frases muestreadas intensas y fulgurantes”.
La RS7000 no es una maquina capaz de sustituírse a un ordenador con un software del tipo de Ableton Live. Es puro hardware y, según opiniones de utilizadores, resulta muy cómoda (más que el ordenador para sus defensores) a la hora de componer y indagar en sonidos y a la hora de producir música en directo. Todavía se utiliza mucho como secuenciador MIDI, con banco externo de sonidos y envio a sintetizadores “hardware” o a un ordenador y Ableton. En este sentido es capaz de gestionar 64MB de RAM et de hablar con numerosas maquinas MIDI vía sus 2 salidas y con ordenadores por SCSI. Su capacidad de almacenaje se completa de un dispositivo de grabación en tarjetas SmartMedia, muy “old school” hoy en día. El pseudo-teclado es raro e incómodo para el músico clásico, más vale connectarle un teclado MIDI. El sonido producido es “transparente y algo fornido” y, como sintetizador, se considera una maquina superada. Con sus 64 MB sigue siendo una buena herramienta, “fluída y veloz”, para el sampling de sonidos breves (rítmicos). También se usa como caja de rítmos a los que se añaden frases muestreadas personales. Programar la RS7000 es muy facil y la estación se revela comodísima para pilotear maquinas en modo MIDI que luego se podrán manipular en directo. Para composiciones minimalistas, “uno tiene todo en su mano”.
Fuentes: página web de Yamaha, opiniones colectadas en el foro francés Audiofanzine (http://fr.audiofanzine.com/sequenceur-sampleur/yamaha/RS7000/avis/) i mi (muy limitada) experiencia propia. Ilustraciones a continuación (3).
1. Midera, “The Dying Sun”, played live on RS7000)
2. K.Markov, “Over The Mist”, played live on RS7000
3. Mat Weasel Busters DJaying live on RS7000
Armónica de Cristal, 1761.
Creado por Benjamin Franklin en 1761, se trata de un instrumento idiófono, compuesto por una serie de resonadores de vidrio superpuestos alrededor de un eje horizontal, quedando visibles sólo los bordes. Mediante un pedal se pone en rotación el instrumento. Los resonadores se hacen vibrar frotando los bordes con los dedos mojados y produciendo un sonido cristalino.
En realidad, el instrumento de Benjamin Franklin es una automatización de lo que ya existía aproximadamente desde la primera mitad del siglo XVIII. Se utilizaban vasos de cristal que se afinaban llenándolos más o menos de agua. Un ejemplo de su uso antes de su automatización lo encontramos en Gluck, que en 1746 dio un concierto en Londres con “veintiséis vasos, afinados con agua de manantial”.
Mozart, Beethoven y Strauss son algunos ejemplos de compositores que utilizaron este instrumento.
Como curiosidad, existía la creencia de que la armónica de cristal era un instrumento maldito. De hecho, fue prohibido porque se decía que causaba locura, depresión y problemas conyugales. El musicólogo alemán Friedrich Rochlitz escribía en “Allgemeine Musikalische Zeitung” que la armónica “estimula en exceso los nervios y sumerge al músico en una acuciante depresión y, por lo tanto, en un oscuro y melancólico humor que acaba llevándolo a una lenta auto-destrucción. Si sufre de algún desorden nervioso, no debería tocarlo; si aún no se encuentra enfermo, no debería tocarlo; si se encuentra melancólico, no debería tocarlo”.
Posiblemente la razón de estas creencias tuviese que ver con la cantidad de plomo presente en el cristal de aquella época, la cual producía saturnismo (intoxicación por plomo).
Tenori-on
El diseñador y artista informático Toshio Iwai creó para la marca Yamaha en 2005 el Tenori-on, un instrumento electrónico de cuadrado de unos 20 centímetros de lado y compuesto por 256 interruptores LED dispuestos en cuadricula (16×16). Fue concebido como un instrumento nuevo para la era digital. El funcionamiento a base de LEDs que se encienden siguiendo unos patrones relacionados con la melodía que se va creando hace más interesante el aspecto visual ya que además, sujetado en vertical permite observar del espectáculo de luces al público y al músico al mismo tiempo.
Además consta de dos altavoces integrados y de una serie de controladores que junto con la pequeña pantalla, situada en la parte inferior, que son los que permiten hacer música.
El instrumento funciona presionando estos interruptores, los cuales quedan iluminados y se van a ir reproduciendo cada vez que la línea de tiempo pase por ellos en forma de loop. El Tenori-on tiene 16 pistas en cada una de las cuales se pueden grabar distintos sonidos, melodías o instrumentos. De esta manera los sonidos de una capa grabada anteriormente suenan mientras se trabaja en otra.
Waterphone
Siglo 20
Un waterphone es un tipo de instrumento acústico musical atonal, fue inventado y desarrollado por Richard Waters. Éste consiste en un recipiente resonador de acero inoxidable，sartén con un cuello de bronce cilíndrico con varillas de diferentes longitudes y diámetros en todo el borde de la taza. El resonador puede contener una pequeña cantidad de agua.Normalmente, se toca en una posición sentada por un solista y se inclina o tamborilea con los movimientos que afectan al agua del interior.
El waterphone dando un sonido etéreo vibrante, el sonido se utiliza a menudo para evocar misterio y suspenso. Ha aparecido en bandas sonoras de películas, álbumes de música y actuaciones en directo.
EL SOFTWARE IMPROTECH
IMPROTECH es un software de improvisación musical creado por Marc Chemillier en 2009, al Centre d’Analyse et de Mathématiques Sociales (centro d’análisis y de matematicas sociales), al hilo de las investigaciones conducidas durante diez años al IRCAM, Institut de Recherche et de Coordination Acoustique/Musique (Instituto de Investigaciones y de Coordinación Acústica/musica. El software IMPROTECH es un derivado del Software OMAX del IRCAM, que permite hacer improvisaciones libres y sin constreñimiento, con algoritmes de imitación y de transformación en tiempo real (software OPEN MUSIC + Software MAX = OMAX). Pero Improtek tiene en cuanta el marco rítmico definido por una pulsación regular, y eso permite utilizarlo en contexto de Jazz (en estrecho contacto con el músico Bernard Lubat) o en contexto de música tradicional, especialmente el del ritual musical de trance con la cítara de Madagascar “Marovany”.
Entonces, IMPROTECH tiene dos lados : un lado creativo – porque es creado para hacer música y generar nuevas prácticas de improvisación – y un lado analítico – porque permite de seguir trabajos de investigaciones sobre la improvisación, investigaciones antropológicas y etnomusicológicas.
**Funcionamiento general : imitación y transformación**
El ordenador capta en tiempo real el juego del músico que está improvisando bajo el control de un operador informático para producir una nueva improvisación que está combinando imitación y transformación.
Las frases musicales del improvisador son captadas con sus articualiciones y fraseos, y luego, las que son generadas por el ordenador quedan parecidas con aquellas : una fisionomía general está conservada a pesar de las deformaciones.
Es decir, IMPROTECH produce una improvisación recombinando los fragmentos jugados por el músico. Haciendo eso, podemos decir que el software está materializando el proceso de la actividad humana de improvisación : nunca un músico humano improvise a partir de nada, siempre está combinando frases musicales grabadas en su memoria o en sus gestos musicales, así como el software.
• Imitación
Para imitar el músico humano improvisando, el ordenador debe analizar la secuencia que recibe y buscar las transiciones que se producen en cada contexto. El ordenador genera nuevas secuencias según algunas probabilidades de transición dentro de un contexto preciso. Mas largo es el contexto y más seguidor es la improvisación.
• Transformación
Una de las transformaciones aplicada por el software es la “auto-transposición”. Esta transformación viene de un procedo de composición de Pierre Boulez (1952) : el acorde musical esta transposado sobre sus proprias notas.
El software es controlado por un operador informático quien puede aplicar varias transformaciones como desencadenar “loop” o modificar la velocidad.
Entonces, el músico improvisa según nuevas frases del software, controlado por el operador. Un dialogo puede establecerse.
El concepto antepasado de este software puede ser los autómatas musicales de los siglos XVIII y XIX como el juego de dados de Mozart, funcionando sobre una dialéctica fija y movible. Cada compa esta fija pero se pueden seguirse en varias formas diferentes.
**Desde modelización hasta simulación**
El concepto de IMPROTECH es de modelizar la improvisación. “modelización”, en el sentido más amplio, significa buscar principios de coherencia que organizan y determinan la lógica implícita de un conocimiento. Pero hay un problema central : ¿en qué medida los expertos de esos conocimientos son conscientes de esta lógica? Modelizar hechos de la vida social, como rituales de música – trance o conciertos – , es intentar encontrar regularidades y emitir reglas y enunciados sintéticos. Entonces, el modelo producido desde hechos observados permite de hacer inteligible la realidad estudiada. Tambien, una aplicación más concreta del modelo es la “simulación” : cuando los enunciados sintéticos están traducibles en programas informáticas, es posible generar substitutos del fenómeno estudiado. Al final, es posible, en un contexto antropológico, seguir experiencias interesantes confrontando esos substitutos con la realidad del terreno.
Siguiendo estos principios, IMPROTECH es capaz de producir improvisaciones musicales siguiendo un estilo musical. Cuando se trata de música jazz o de cítara de Madagascar, la improvisación depende de un lenguaje relacionado con un contexto socio-cultural. Entonces, el desarrollo del software no puede ser separado de observaciones y investigaciones de terreno. Siempre la creatividad se exprime dentro de una cultura : el ritmo está viviendo y es vivido en el tiempo presento. Reciclar las frases musicales significa actualizar este ritmo.
¡Sin embargo, el software no tiene ninguna noción de lo que es la pulsación! Solo imita y transforma lo que ha sido tocado. Esta transformación provoca una reacción del músico, hay una interacción y una progresión : el músico, poco a poco, va a intentar de dirigir la improvisación de la maquina, controlar y dibujar una trayectoria. Los expresiones de la cara del músico son muy importantes para el técnico que controla el software porque le informan sobre la apreciación y la admisibilidad de la improvisación informática.
Leandro García Hernández
Stochastic Process 92 (2013), Christian Cherene
Este experimento se enmarca en la exposición “Forces”, organizada por la Galería Catalyst Art (Belfast), cuya misión se basa en establecer un puente entre la creación de artistas y científicos, a partir de obras en las que mediante instalaciones, se manifiestan cuestiones como la radiación, la electricidad, el magnetismo, todas, propias del ámbito científico. Esta obra, en efecto, establece un diálogo entre ambos campos -el artístico y científico- mediante la instalación sobre una superficie en un cuarto oscuro, de piezas de cristal de uranio dispuestas en torno a un contador Geiger. Éste dispositivo detecta la radioactividad presente y a continuación emite un sonido particular el cual es manipulado mediante ordenador. El resultado deja en evidencia no sólo el aspecto hipnótico y estético de dicho experimento, sino la dimensión atmosférica y sonora del sonido que produce.
https://www.youtube.com/results?search_query=cherene+stochast
Leandro García
Ejercicio para Música y Profesión. Paisaje Sonoro.
Máster en Música como Arte Multidisciplinario
Para realizar este ejercicio me propuse vincular una serie de sonidos a las imágenes de diferentes noticias de la red sobre un incidente que nunca trascendió y que se desconoce su estricto rigor, es decir, sobre el hecho de torturar a prisioneros de guerra en Iraq a manos del ejército Estadounidense, mediante la escucha forzada y constante de Metallica y otras bandas de música Metal.
Para evocar la situación, procedí a grabar la introducción de Fight Fire with Fire (1984), al mismo tiempo que lanzaba gritos, para simular la tortura. Luego utilicé la grabación de mi lavadora centrifugando, que justo tuvo un problema técnico, pero servía a la perfección para simular maquinaria de guerra incluso las hélices de helicóptero en vuelo, o las ruedas en cinta de los tanques avanzando. El fragmento de Metallica aparece nuevamente pero vuelve a emerger el sonido constante de la maquinaria y finalmente, lo junté con el audio registrado en un video sobre la llamada a la pregaria de las mezquitas.
En el video, aparecen diferentes fuentes de la misma noticia, algunas con titulares que distorsionan o aportan sensacionalismo al incidente, incluso una noticia que es falsa, sobre la petición de Metallica a prohibir a los Marines el uso de su música.