Comentarios sobre las tecnologías propuestas

Se trata de que cada uno de vosotros escriba un comentario relacionado con una de las propuestas descritas en el blog.

Concretamente os pido:

  • Nombre (para mi control, sin datos de mail, ni nada).
  • Nombre del recurso elegido.
  • Comentario (1 párrafo es mas que suficiente).

La fecha límite es el miercoles 26 de octubre a las 16:59.

 

15 comments

  1. Xènia Senserrich

    Comentario sobre la Armónica de Cristal:

    Es curioso como de un ‘juego’ sencillo que hemos realizado todos en nuestra casa o escuela, como el de llenar vasos de agua con distintas medidas y al tocarlos con la mano o una baqueta realicen distintos sonidos llegando a recrear melodías, se pudo evolucionar hasta la denominada armónica de cristal. Ésta es un instrumento de construcción simple, en una época en que la tecnología empezaba a revolucionar la vida de las personas y se empezaba a jugar con la electricidad, como la invención del dinamo o del telar de patrón automático. Precisamente con parte del esqueleto de los telares y del funcionamiento de las máquinas de coser aplicados en el ámbito musical se consiguió crear este instrumento.

    Aunque ya han pasado muchos años, y siglos, desde su creación, esa estructura simple, conducida por un pedal, no se ha desarrollado más allá y hoy en día apenas es utilizado, más bien es conocido por la leyenda urbana de que era un instrumento mortal o daba pie a la locura de quien lo tocaba.

  2. Dolores Maria González Tur

    Comentario sobre AlphaSphere:

    Es interesante apreciar como en la era de las tecnologías en que nos encontramos, cada poco tiempo aparecen nuevos dispositivos, y además, y mucho más rápido, nuevas mejoras de éstos para facilitarnos la vida y hacerla más interactiva.

    Esto también pasa en el mundo de la música, y el AlphaSphere es un gran ejemplo. Con una gran relación respecto a la tecnología que yo expuse (launchpad), encontramos que este instrumento musical nos permite crear música a partir de un controlador con una serie de botones o almohadillas de una forma interactiva mientras se encuentra conectado a un ordenador.

    En diferencia a otras tecnologías, al AlphaSphere no se le pueden asignar unas notas o sonoridades musicales especificas, lo que implica que de por sí puede crear música o pistas con unas sonoridades nuevas y muy interesantes, lo que permite dotar al músico de una mayor expresividad en sus composiciones, cosa que se lleva buscando dese hace años, y como podemos ver, poco a poco se va consiguiendo.
    Sin darnos cuenta, estamos entrando en una época que podríamos considerar ya como futurista.

  3. Núria Sans Martí

    Comentario sobre Seaboard.

    Como pianista amateur, quedé totalmente fascinada con el Seaboard, ya que nunca hubiese imaginado que un teclado podría llegar a ofrecer tantas posibilidades a nivel sensitivo y sonoro, entre muchas otras cosas. Según mi punto de vista, uno aspecto que favorece su aparición, al contrario de otros instrumentos tecnológicos musicales, es que sus creadores han tenido la astuta idea de usar el diseño de un teclado, lo que supone que hay una familiarización previa y que no se tiene que aprender el funcionamiento de un nuevo instrumento a partir de cero.

    Después de la presentación de mi compañera y de realizar una búsqueda acerca del instrumento, considero que el Seaboard ha sido un significativo avance musical para muchas personas, puesto a que utiliza materiales de gran calidad y nos da la oportunidad de tocar de una manera más intuitiva y experimental, así como también nos brinda una enorme libertad de movimiento, además de que es práctico de transportar (a diferencia de los pianos y teclados convencionales).Tal y como podemos apreciar en el primer vídeo adjunto, basado en la primera performance en directo que se hizo con el Seaboard, es fascinante la gran similitud tímbrica del saxofón y del contrabajo con respeto a sus instrumentos convencionales. Sin embargo, hay veces en las que también se escucha el sonido del dedo al entrar en contacto con las teclas o bien cierta acentuación en las notas, sobre todo con escalas y acordes rápidos.

    En definitiva, este instrumento tecnológico musical ha resultado ser, en parte, la evolución del piano convencional y que, quizás en un futuro, se contemple emplearlo en distintos ámbitos musicales o educativos, como por ejemplo en las escuelas de música, en la ópera o en el teatro musical. Al mismo tiempo, me pregunto, ¿qué opinarían los compositores clásicos de siglos atrás si viesen tal fenómeno? ¿Habría alguna influencia en cuanto a su composición? Creo que sí, ya que el Seaboard es sinónimo de libertad de expresión.

  4. Maria Sánchez de Prado

    Sobre Seaboard:

    Respecto a este recurso, existe paralelamente otro que se asemeja bastante y que comparte el mismo interés en huir de las limitaciones del piano clásico. El TouchKeys, proyecto reciente de una compañía inglesa, puede relacionarse con el Seaboard por algunas funciones.

    Permite al músico colocar una fina superfície plástica sensible al tacto sobre cada tecla, utilizando la misma tecnología que en smartphones y tablets, otorgando una nueva plataforma de control que registra hasta tres toques simultáneos sobre cada nota. Por lo tanto, puede configurar en tres parámetros distintos modificados en tiempo real, según cómo se deslice el dedo sobre la tecla. A través del piano tradicional, el músico ha de escoger la velocidad y la fuerza de manera mecánica para presionar la tecla, y poder modificar la intesidad del sonido; a comparación, es difícil elaborar nuevas características a partir de esto. Lo que ofrece TouchKeys al pianista es, por ejemplo, poder presionar una nota y hacer vibrar su dedo sobre ella para registrar variaciones en la tonalidad en tiempo real, añadiendo de esta manera una capa extra de control sobre el sonido.

    Otra característica que lo relaciona con el Seaboard es la conexión y el acceso a ajustes con el ordenador, ya que puede ser configurado para interpretar sobre la superficie táctil (incluyendo diversos efectos como la reverberación o el retraso).

    Es interesante observar cómo la tecnología musical sigue aportando herramientas para mantener, de momento, la conexión física entre intérprete e instrumento, y facilitar la incorporación de nuevas vías de experimentación musical y sonora a los instrumentos clásicos que, finalmente, acaban por reinventarse gracias a estas aportaciones.

  5. El recurso tecnológico que que he elegido para comentar es Audfit,

    El cuerpo humano ya por sí solo se expresa y la contemplación de este en movimiento nos puede sugerir un sinfín de melodías y ritmos. Es por ello que el binomio entre compositor musical y coreógrafo ha existido desde los orígenes más antiguos de la música. Sin embargo, la asociación entre música y movimiento, es siempre subjetiva.

    Bajo mi punto de vista, este recurso tecnológico permite dar una cierta objetividad a esta asociación, pues ahora el movimiento del bailarín es el que crea el sonido. Es cierto que el sonido que se obtiene gracias a este recurso es difícil de comprender en relación a su capacidad “expresiva” y su uso en una coreografía parece complicado. Además el recurso en sí puede que dificulte el movimiento del bailarín. Quizá solo se quede en un hecho experimental o se desarrolle para convertirse en una nueva forma de entender la danza. Por ello, aunque complicado en la ejecución, me ha parecido un recurso que puede aportar mucho en cuanto a la expresividad corporal se refiere.

  6. Comentario sobre Orchestrion

    En el momento actual existen multitud de tecnologías que intentar hacerse un hueco en el mundo de la música. Sin embargo, muchas de ellas podrían calificarse como innecesarias, ya que no vienen a enriquecer estéticamente el panorama artístico, sino que, por el contrario, parecen aferrarse a ideas y convenciones del pasado musical a las que simplemente se les da un nuevo formato.

    En mi opinión el Orchestrion de Pat Metheny forma parte de este amplio grupo. Dispositivo que asombra por su grandiosidad, estéticamente no va más allá de una especie de futurismo renovado que recuerda a proyectos con tanta solera como el Ballet Mecánico de Antheil (años 20). Escarbando más en esta idea, podríamos irnos incluso hasta la aparición de los registros del órgano y del clave, dispositivos en los que un mismo “hardware” se corresponde con distintos timbres de forma analógica.

    En una época que tiene ya muy asumido el uso del MIDI, tecnología que sí que verdaderamente ofreció nuevas posibilidades que los instrumentos clásicos no podían dar de sí, ¿Cuál es el sentido de esta vuelta a tras? Quizás el arrebato romántico virtuosístico que está tan de moda hoy en día. Un virtuosismo que, una vez más, ni es nuevo ni aporta nada nuevo.

  7. Serge Dambrine

    Sobre el Audfit

    Este dispositivo se interesa en el movimiento corporal como fuente sónora, un campo de investigación fascinante. En este caso, se trata de medir en tiempo real los movimientos y la posición de 9 “puntos estratégicos del cuerpo humano”. La información que se encuentra en la red está en pólaco, es dificil cononcer los detalles de como funciona pero vemos que los puntos escogidos son los siguientes:
    – pies (derecho y izquierdo);
    – rodillas (idem);
    – manos (idem)
    – codos (idem);
    – cabeza (un punto único).

    O sea, el sistema se interesa en 9 puntos que configuran un abánico de posiciones muy rico, geometricamente muy amplio. El “cubo de Laban” modeliza las posiciones extremas en el espacio de las manos, los pies y la cabeza del actor-balarín;en el caso del Audfit se añaden 4 puntos más con posiciones intermediarias: codos y rodillas. La combinatoria es enorme, ya solo en términos de datos sobre las posiciones de estos 9 puntos. Además se puede aplicar un análisis vectorial para generar otra categoría de datos sobre el movimiento de cada punto en el espacio… Otros parametros de movimiento se podrían medir, como la acción de los centros motores principales del cuerpo según la teoría de Laban: la pelvis y la cintura escapular.

    El problema de un tal experimento no es, por tanto, la combinatoria de datos que se generan, sino su uso— y, luego, la posibilidade de interacción con el intérprete. Sobre el primer punto aprendimos por los subtítulos en el vídeo que los datos generados vienen “cambiar parametros sonoros”; o sea, se producen realmente variaciones de un sónido pre-existente introducido por el ingeniero (en este caso 3 variaciones que los espectadores pueden escuchar en directo en dispositivos móviles: cascos inalambricos con 3 canales posibles de escucha). Sobre el segundo punto sabemos que el perfomer tiene un receptor audio-visual en el cráneo que le permite ejercer con el dispositivo, controlando por repetición la variación que genera su secuencia de movimiento.

    Lo que no controla el performer, por supuesto, es el sónido que el ingeniero introduce en el sistema, secuencia sonora sobre la cual tiene unicamente poder de variación. Sería interesante darle la posibilidad de generar el mismo el sonido de partida, por ejemplo a partir del ruido corporal: respiración, canto o percusión corporal, por ejemplo.

  8. Yancy Carolina Ibarra Ortega

    …TENORI – ON

    Además de Toshio Iwai, se considera también a Yu Nishibori como co-diseñador del Tenori-On, que vendrá a ser desarrollado en colaboración con Yamaha, con la intención de otorgar belleza a un instrumento digital para el siglo XXI.
    …”En los días pasados, un instrumento musical tenía que tener una belleza, en su forma, así como en el sonido, y tuvo que ajustarse al interprete casi de forma orgánica[…] los instrumentos electrónicos modernos no tienen esta relación inevitable entre la forma, el sonido, y el intérprete. Lo que he hecho es tratar de traer de vuelta aquellos elementos […] y construir con ellos un verdadero instrumento musical para la era digital “. Afirma el mismo Iwai.
    Entre las primeras actuaciones en las que Iwai utilizó este instrumento en vivo se incluye precisamente el Sonar Barcelona 2006, seguida de Manchester y otras ciudades. Logrando una buena retroalimentación de la audiencia -lo cual es uno de los factores más importantes para que un producto sea llevado al mercado; un año después, en el 2007, el Tenori-On fue puesto en marcha en Londres con un precio alrededor de las 599 libras (669 euros).
    Para promover este lanzamiento, tres destacados músicos electrónicos y experimentales: Jim O’Rourke, Atom Heart, y Robert Lippok, fueron invitados a componer demos para el seguimiento de la utilización del dispositivo.
    Actualmente existen dos versiones disponibles de este dispositivo: El original TNR-W (Tenori-On White) que cuenta con un marco de magnesio, 256 LEDs en el panel trasero, además de funcionar con baterías, y el TNR-O (Tenori-On Orange) que cuenta con un marco de plástico blanco, no tiene LED traseros y es más asequible. Los modos y conjuntos de sonidos en estos dos instrumentos son los mismos. En un documento presentado en la conferencia NIME 2006 celebrada en el IRCAM (Centro Pompidiu de París) en junio del 2006, se da una discusión detallada del diseño del Tenori-On.

  9. Software Improtech:

    El software Improtech me ha parecido interesante en lo que aporta a la práctica de la improvisación. Estamos en una época de revolución tecnológica que permite analizar procesos cotidianos desde una perspectiva nueva, y esto es lo que surge con este nuevo software que es capaz de traducir de una manera bastante coherente el proceso de improvisación de un músico.

    El hecho de que con un ordenador y un operador que controle este software se puedan crear ruedas de improvisación entre un músico y la máquina, comenzando un diálogo musical entre ambos, me parece cuanto menos innovador y con posibles utilidades sobre todo en un campo pedagógico. Lo interesante es que además el software está programado según patrones que dependen de un contexto socio-cultural, de manera que es capaz de responder a la improvisación creada por el músico en el estilo adecuado, siempre y cuando esta música tenga un marco rítmico definido y una pulsación regular.

    Encuentro interesante el hecho de la “modelización” de la improvisación sobre todo desde una perspectiva analítica que pueda ayudar en fines pedagógicos. Al “modelizar” la improvisación el programa busca los recursos que está utilizando el músico, de manera que se estandarizan los fraseos y motivos de los que se vale la persona que está improvisando. Si a esto se añade que además esta estandarización responde a valores culturales el análisis que podemos extraer es muy enriquecedor y puede ser muy útil en centros musicales para enseñar y familiarizar a los alumnos con el arte de la improvisación, que sobre todo en entornos clásicos, empieza a estar cada vez más olvidado.

    Sin embargo, yo no le sacaría mucho más provecho a esta estandarización más que como elemento analítico y pedagógico, ya que en un concierto en directo me parece mucho más interesante los diálogos que se puedan establecer entre los diferentes músicos, dotando a la improvisación de una riqueza que diría las tecnologías aun no han alcanzado. Volviendo al ámbito pedagógico, sería interesante llevar esta tecnología a cuantos estilos improvisatorios se pueda, acercando el estudio de las tecnologías musicales a parámetros relacionados con la antropología y la etnomusicología de manera que se entienda que la música, como arte, depende de un contexto. Salimos aprendiendo gracias a estos inventos tanto conocimientos culturales como puramente técnicos sobre improvisación.

  10. LAUNCHPAD

    Des del meu punt de vista, estic d’acord en que el Launchpad és un controlador que facilita la creació musical en directe a partir del llançament de pistes o loops generats prèviament i/o en el mateix directe. Com a controlador és senzill, útil i bastant accessible a tothom (depèn del model que triis i del coneixement dels mitjans que s’utilitzen). A més, dins el que he pogut entendre, el fet de que puguis crear patrons visuals en els botons a l’hora de tocar permet una personalització que ajuda a controlar millor els sons que dispares. Pel que he vist aquests patrons visuals, quan es posen en animació, ajuden a seguir el progrés dels loops que estan activats, vinculats a cada botó dins del patró reproduït.

    Ara bé, hi ha unes quantes coses que em volten pel cap. Com he dit abans, és molt interessant que puguis crear patrons visuals per controlar millor els loops que es vulguin disparar i per crear conjunts de sons estèticament bonics al pad. Passa que, pels vídeos que he vist, hi ha una voluntat de lluïment fent performances lumíniques amb els colors dels botons del Launchpad. Fins a quin punt és útil aplicar-los? Segueixen alguna norma o criteri que no sigui merament esteticista i de creació de patrons atractius? Té sentit crear-los de manera lúdica si potser dificulten el control? És un aspecte que em crida l’atenció i m’agradaria entendre millor perquè no sé si és una decisió estètica o realment ajuda i potencia la performance en directe.

    D’altra banda, pel que he vist, a més de poder treballar a partir d’Ableton Live i FL Studio, en segons quins models, com el Launchpad Pro, es pot vincular amb Max cosa que encara potencia més l’experimentació i la profunditat d’aplicació, que segurament està més destinat a “músics” experts.

    El que em pregunto és, si només soporta MIDI, es podria utilitzar com a controlador d’imatges i gràfics? En aquests tipus de concerts cada vegada més hi ha el paper del VJ (videojockey) que va generant gràfics o projectant vídeos found footage, per exemple, en relació a la música, acompanyant. Seria interessant estudiar si igual que amb Ableton els botons estan vinculats a loops i pistes midi, es podria vincular el Launchpad amb un software on els vídeos poguéssin funcionar com aquests loops d’Ableton. I igual que amb el Launchpad pots regular els efectes dels sons, també seria brutal poder modificar les imatges a nivell de color, deformació, escala, posició o fins i tot de superposició amb altres utilitzant els controls del Launchpad. Aquesta última reflexió l’he portada al meu camp i això fa que, si el Launchpad es pot traslladar a altres llenguatges, sigui realment interessant,malgrat la seva aparent senzillesa i popularitat desmesurada.

  11. Alphasphere

    Me parece muy interesante la existencia de instrumentos como el Alphasphere ya que son concebidos para músicos que no han de ser necesariamente expertos, aunque en este caso hay una gama de productos que atiende a músicos expertos, aficionados y niños. El precio “reducido” (860) del modelo destinado a músicos no profesionales, su tamaño asequible para tener en casa y para transportarlo con facilidad, hacen de este instrumento candidato para ser universal.

    A veces para innovar no hace falta inventar algo nuevo sino juntar dos o más cosas que hasta el momento nadie haya juntado. La innovación que se da en el Alphasphere, no viene dada por la invención de una nueva tecnología, sino por la combinación de algunas ya inventadas, que hasta ahora no habían estado presentes en un mismo invento. Los pads que conforman el Alphasphere poseen una tecnología similar al Seaboard, ya que son sensibles a la presión. Y por otro lado, funciona como lo puede hacer un controlador: asignando a cada pad un ritmo, un sonido o una melodía.

  12. Comentario sobre el Waterphone:

    Lo interesante de este instrumento es la gran variedad de sonidos que pueden sacarse según el propio movimiento del intérprete, ya que al estar compuesto, entre otras cosas, de agua, el control del movimiento de la misma es muy complejo y, seguramente, nunca salga una interpretación igual que la anterior. Por ello, es un instrumento básicamente textural muy útil para conseguir efectos en el mundo del cine (especialmente de terror). Sin embargo, no es una idea del todo nueva y fue originada o motivada gracias a los ya existentes tambores de agua o “Katakí”: instrumento indígena de madera o cerámica que también se llena con agua con el objetivo de modificar el tamaño de su cavidad interna para influir en su afinación. Este es un instrumento principalmente meditativo y de concepción sagrada y, ciertamente, el sonido del waterphone recuerda bastante a las músicas de meditación y rituales utilizadas por determinados pueblos.
    Sin duda es un instrumento con muchas posibilidades sonoras y eso es lo que lo embellece.

  13. Carlos Cruz Tienda

    Cardiophonie

    Me ha parecido muy interesante esta pieza en la que intervienen, además de los sonidos creados conscientemente por el músico, los sonidos generados de forma involuntaria por el ritmo cardíaco del intérprete. Creo que resulta verdaderamente innovador por el hecho de que la interpretación dependa en tan gran medida de una cuestión que realmente escapa del talento o las aptitudes del intérprete para ir a buscar su respuesta más natural a un fenómeno acústico determinado, esencia que da sentido a esta práctica y la devuelve a un estado mucho más natural. Creo que iniciativas similares a la del Cardiophonie tienen mucho sentido en el devenir de la música actual, ya que me parece muy importante recuperar este tipo de vínculo entre música, sonido e intérprete que hoy en día es cada vez más artificial y técnico. Tengo la sensación de que es una buena dirección en la que investigar en busca de nuevos elementos que propicien una verdadera revolución en el paradigma musical vigente.

  14. He elegido comentar el recurso “Talk Box”.

    Lo interesante de esta tecnología es la ida y vuelta del sonido entre el músico y su instrumento : hay dos intervenciones directas del cuerpo del músico sobre el sonido en dos momentos diferentes del juego. Esto es una cosa poca frecuente. Entonces, se mueven las fronteras de lo que suena y de lo que hace sonar. El cuerpo del músico se convierte como formando sonido, o como generando sonido.

    Ademas, otra cosa que me parece muy interesante es que esta tecnología añade al sonido eléctrico de la guitarra o del synthé algo de humano, formas y texturas humanas. El cuerpo aparece en el sonido de aquellos instrumentos cuyo textura, usualmente, no depende directamente del cuerpo del músico sino que de como arregle las maquinas (microfonos de la guitarra, del ampli, formas de ondas del synthé).

    Es verdad que el sonido parece mucho como el del vocoder, pero teóricamente, el proceso y los posibilidades son muy diferentes.
    También, puedo imaginar que, con la talk box, la boca del músico puede formar sonidos de cualquier tipo de instrumento (si pasan a través de un microfono). Así que podría, por ejemplo, formar la voz de un otro cantante quien esta cantando en un micro ? o formar la captación sonora de un coro ? El sonido seria transformado de cuerpo a cuerpo. Aun no se trataría de añadir alguna cosa corporal a un sonido electronico sino que agregar varios cuerpos sobre una voz… Esto podría ser un poco raro, exigiría sincronización… pero la experiencia live seria divertida y tal vez desconcertante tanto a los músico como a los oyentes !

  15. Marcel Pascual i Anguera

    El recurso tecnológico que he elegido es el software Improtech.

    El software Improtech estimula la improvisación musical proporcionando al músico un feedback musical elaborado. Por lo que veo, el informático actúa como mediador del proceso creativo al modular el tipo de cálculo que efectuará la máquina para sus respuestas musicales. Veo relaciones conceptuales del Improtech con el uso improvisatorio del looping o de software de acompañamiento musical tipo Band in a Box, aunque el Improtech no permite prescindir por completo de compañeros en la acción musical, en la que resulta determinante la acción del informático-intérprete.

    Desconozco con detalle qué tipo de decisiones toma el informático en el acto de toma y recálculo de los parámetros musicales, pero parece que lo sitúa en un papel original en el directo, a medio camino entre el músico improvisador, el técnico de sonido y el pedal de efectos.

    Sospecho que la improvisación colaborativa entre músicos tiene mejor aceptación que la que se produce entre músico, máquina y técnico. Aun así,creo que Improtech es un desafío a los conceptos de improvisación, creación e intérprete en relación al papel del informático en la escena. Asimismo pienso que, en la medida en que el informático juega el papel de intérprete musical, debería integrar aspectos performativos-teatrales que forman tradicionalmente parte del discurso musical en directo y que contribuyen a un hecho comunicativo más eficaz. .

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